Esprits Critiques

Swans - Leaving Meaning

2020-01-24T13:33:57Z

Il y a tellement de groupes cultes qu'il est compliqué, voire impossible de se frotter à tous. C'est moche mais c'est comme ça. J'ai fini par trouver la porte d'entrée des Swans en me plongeant tête baissée dans leur copieuse discographie et bien honnêtement, si vous êtes tentés par l'expérience, il faut prendre son temps tant les écarts de style sont parfois grands. Cette découverte avait été entérinée par un concert impressionnant.

Michael Gira avait évoqué la fin d'un cycle pour The Glowing Man, à un tel point qu'on avait pensé à une nouvelle dissolution de la formation. Il n'en est heureusement rien et ce n'était finalement qu'une énième variation de line-up. Il a donc retrouvé nombre de ses anciens collaborateurs, notamment de sa formation Angels of Light plus d'autres comme Anna Von Hausswolf qui assure les choeurs avec sa soeur Maria ou Ben Frost (notamment auteur de la formidable bande-son de la série Dark).

Musicalement aussi, on note un changement. Ils ne se mettent pas à la disco à paillettes pour autant vous vous en doutez mais on ne retrouvera pas par exemple de morceau d'une demi-heure. Certes, il reste de longues plages répétitives comme Leaving Meaning mais elle est aérée par un piano, pour un morceau qui reste acoustique. On imagine Nick Cave dans le registre d'un Annaline plus apaisé.

Hanging Man est plus lancinant mais avec une lourdeur moindre que par le passé. Enfin, sur dix minutes, il a largement le temps de faire monter la pression, voire de la libérer par moments. Gira est évidemment souverain pour moduler sa déclamation, pour osciller entre transe chamanique et imprécation. Mais l'exercice se révèle un peu moins impressionnant (moins exigeant, aussi) que sur les moments équivalents de The Glowing Man. Sunfucker peut ainsi virer en son milieu après un début mêlant répétition, des choeurs et plus d'allant.

Le ton d'Amnesia nous ramène à des musiques comme Current 93. Ne vous laissez donc pas tromper par les arpèges acoustiques, il y a des surprises au détour du morceau. Comme David Tibet ou Jamie Stewart, Gira n'est pas un garçon vraiment apaisé au final.

Cette relative accessibilité montre sans doute aussi un peu les limites du style et rend paradoxalement plus compliqué de l'avaler d'une traite puisque l'attention n'est plus captée en permanence. On ne note par exemple que peu d'enjeu sur Cathedrals Of Heaven et l'enchaînement de morceaux de plus de dix minutes sur trois ou quatre accords ad lib est rendue moins gratifiante sans la terrifiante lourdeur. Mais les grands moments sont là , sur le lancinant et efficace Some New Things ou le mélodique et enlevé What Is This relevé de cordes. Leurs textures sonores restent d'ailleurs riches mais jamais trop chargées malgré le casting pléthorique.

Un tigre qui n'est pas effrayant, c'est un gros chat. C'est un bien bel animal, mais qui n'a pas l'aura de son cousin sauvage. Moins impressionnant, moins exigeant aussi, ce Leaving Meaning mettait pourtant beaucoup de chances de son côté pour servir de porte d'entrée à la monumentale discographie de Michael Gira. N'allez pas en déduire que c'est pop et enjoué pour autant, il s'est entouré d'une belle équipe de spécialistes et d'habitués. Mais sachez aussi que le pouvoir de fascination est moins élevé, comme si la lourdeur un peu imposante était nécessaire pour que le style fonctionne.

Yann Tiersen - Portrait

2020-01-21T13:15:10Z

Cet album de Yann Tiersen est une copieuse (25 titres) relecture en mode analogique de morceaux existants plus trois inédits. A qui s'adresse-t-il ? C'est compliqué à définir, on ne peut pas l'appréhender comme un best-of puisqu'il ne reprend pas tous ses morceaux emblématiques (il en a d'ailleurs sorti un en 2018). Il n'est pas non plus en panne d'inspiration non plus puisqu'il avait sorti un album en bonne et due forme quelques mois auparavant.

Mais comme on suit le Breton depuis 20 ans, on passe outre cette question et on prend du plaisir à réécouter ces morceaux et on a surtout l'envie de se replonger dans plusieurs hauts faits de sa discographie. Sont aux rendez-vous quelques moments forts et classiques comme La Dispute, témoins de son sens sens mélodique renversant. Un petit Rue Des Cascades ou The Wire fait toujours son effet.

Pour retravailler certains morceaux, il y a de nouvelles collaborations permettent de donner une nouvelle coloration à certains morceaux. Il a toujours un beau carnet d'adresses et ici, il est allé chercher de nouveaux noms. Quand Gruff Rhys reprend le rôle de Dominique A sur Monochrome, c'est forcément différent. Et puis c'est évidemment une bonne idée d'utiliser Blonde Redhead sur Closer. On retrouve sa fille Emilie Tiersen sur un Gwennilied qu'on devine Breton. C'est une de ses marottes plus récentes, plus ambient, qui prend ici plus de densité mais n'atteint pas le niveau d'émotion suscité par les autres morceaux plus marquants de sa discographie. Pell avait déjà été identifié comme une des réussites de cette manière-là . On ne sait pas qui chante sur Chapter 19 et cette montée est bien belle.

Retrouvailles pour beaucoup, découverte possible pour d'autres, ce Portrait du Finistérien est un petit supplément qui ne se refuse pas. Il s'adresse sans doute plus à l'amateur/trice qu'à celui qui découvre la toujours intéressante discographie de Yann Tiersen. A ces derniers/ères on conseillera sans doute le double live C'était Ici.

Shearwater + Friends - The Berlin Trilogy

2020-01-17T12:36:28Z

Pour quoi faire un album et pour qui ? C'est une question essentielle qui n'appelle pourtant que peu de commentaires. Dans le cas de ces reprises, à priori aussi proches des versions originales, et disponibles de façon limitée, on peut dire que le plaisir est le principal moteur. Il y a un an tout pile sortait cet étrange objet numérique, issu de l'enregistrement de trois soirs de suite au Winter Garden Atrium of Brookfield Place de New York pour interpréter en live la légendaire trilogie berlinoise de David Bowie.

Jonathan Meiburg était pour l'occasion entouré de ses collaborateurs habituels Emily Lee, Sadie Powers, Josh Halpern et Lucas Oswald mais aussi de Jamie Stewart (Xiu Xiu), Ed Rodriguez (Deerhoof), Dan Duszynski (Loma->2141) et rien d'autre que Carlos Alomar, guitariste et producteur de celui qui nous manque tant.

Non, Shearwater ne s'est pas transformé en groupe de reprises même si on connaissait déjà le Lodger repris en intégralité et sur scène. A priori, ces chefs-d'œuvre absolus de David Bowie sont plutôt éloignés de son univers, surtout si on considère leurs débuts. Pourtant c'est une inspiration revendiquée (comme Talk Talk par exemple). Mais se frotter à de tels chefs-d'oeuvre impose l'excellence, sinon on risque le ridicule. Assurer musicalement n'est pas un plus, c'est une nécessité absolue pour que ces compositions complexes ne virent pas d'emblée au gloubiboulga.

On retrouve ainsi toute ma densité sonore exceptionnelle d'African Night Flight et jamais on n'a l'impression que la formation â€˜court derrière'. Savant mélange de groove et de force électrique, la musique de Lodger montre que Bowie a toujours su s'entourer de pointures parce qu'il n'avait pas le choix pour donner vie à des compos pareilles. Pas la peine d'en faire des caisses donc, de vouloir dévier de l'original.

Au-delà de l'admiration sans borne pour Jonathan Meiburg, il est impeccable et son engagement sur le percutant Joe The Lion est irréprochable. On notera aussi le solo distordu de Boys Keep Swinging. Le plus étonnant, c'est que si les voix de Bowie et Meiburg ne sont pas vraiment les mêmes, on a la distance voulue pour que ce ne soit jamais un pastiche mais la bonne proximité pour ne pas détourner l'attention. Friandise absolue, on a Jamie Stewart de Xiu Xiu sur quelques titres. à‡a marche évidemment sur Repetition et le comparse le temps de Blue Water, Black Death (Meiburg l'accompagne sur la route ce printemps comme musicien de Xiu Xiu) est parfaitement à la place sur Always Crashing In The Same Car, Beauty and the Beast et puis Heroes dont il magnifie vraiment la fin par un engagement total.

Evidemment, cet album résonnera avec une tonalité bien personnelle en fonction de votre vécu avec ces œuvres. C'est un retour bien en arrière que m'ont proposé Heroes et Low. Peu fréquenté ces dernières années, il tient avec une facilité dérisoire le poids des ans malgré ou grà¢ce à son étrangeté et ses longues plages instrumentales. Il confirme aussi que Lodger est bien mieux qu'un outsider. Sound and Vision est toujours aussi marquant avec son air de ne pas y toucher.

Bowie nous manque, on le sait et ça se confirme jour après jour. Mais comme tout artiste marquant, son œuvre lui survit. Au-delà des enregistrements il y a aussi cette possibilité de réinterprétation, ce qui la rapproche de la musique â€˜savante' (par opposition avec la musique simplement â€˜enregistrée'), statut mille fois mérité.

Low Roar - Ross

2019-12-19T12:13:03Z

Quatrième album pour autant de critiques pour le projet de Ryan Karazija. On se rappelle rapidement pourquoi on s'est tellement entichés de lui. Pas en toute première écoute cependant, il faut laisser un peu de temps pour que les morceaux percent, ce qui est un effet secondaire connu de ce genre de musique.

On est habitués à prendre son temps pour découvrir un Patrick Watson ou un Bon Iver, les deux étant des points de référence en terme de style et de qualité. Il assume des racines plus folk que Patrick Watson et moins de recherche formelle que Bon Iver. C'est en gros comme ça qu'on peut circonscrire son style. Mais le style est une chose, il faut surtout des morceaux pour qu'il s'exprime.

Il y a ici aussi une voix de tête d'une douceur imparable, moins expressive (plaintive ?) qu'un Perfume Genius par exemple. Il s'en dégage une très belle douceur (Darkest Hour), reposant notamment sur des mélodies belles (Slow Down) ou à la simplicité désarmante (Not Around). S'il peut rester très folk et acoustique et être convaincant sur Blue Eyes, il peut aussi monter sur Feel Like Dying ou proposer un intense chorus musical sur I'll Make You Feel. Si le morceau lui-même est proche de ce qu'on a pu entendre du côté de Perfume Genius, la façon de s'affranchir de l'apesanteur ressemble plus à ces orfèvres nordiques. On retrouve cette intensité quand The Machine prend son envol sur une voix vocodée. La fin plus électrique d'Empty House nous rappelle quant à elle des choses comme Department of Eagles.

On ne se lasse décidément jamais de la délicatesse. Celle de Low Roar nous est précieuse et on se replonge avec délice album après album dans cette bienfaisante douceur. Il arrive de plus toujours à glisser plus d'intensité qu'on ne le détecte de prime abord, nous poussant à revenir encore et encore vers lui.

Isaac Delusion - Uplifters

2019-12-16T12:13:03Z

C'est la basse qui tient l'avant-scène de Fancy, qui lance cet album et cette pop tristoune comme on l'aime fonctionne en plein. Elle a aussi le mérite d'énoncer clairement les intentions de l'album puisqu'on dénote un virage plus synthétique pour la formation française, plus solaire aussi sans doute.

Ce qui nous vaut un album moins éclectique que par le passé mais pas uniforme pour autant. Leurs nouvelles aspirations pouvant ainsi s'incarner sur le plus sautillant sur Disorder qui repose comme presque tout l'album sur une basse hénaurme. C'est presque une spécificité française si on pense à des formations comme L'Impératrice (du même label et avec qui ils ont collaboré) ou VKNG. C'est en tous cas ce qui les distingue de groupes belges qui naviguent aussi dans les mêmes eaux, Piano Club et Fastlane Candies en tête.

Cette grosse basse n'empêche certes pas notre attention de retomber avec le tempo (Magicalove) mais elle permet de magnifier leur inoxydable légèreté (voix de tête comprise) sur le très bon It Hurts qui n'hésite pas à là¢cher les beats. On est d'ailleurs surpris qu'une montée y soit coupée aussi brusquement. Pour laisser de la place à un remix ? Ils se lancent de nouveau en français et ils arrivent à garder leur style dans ces occasions (Pas L'Habitude). Oui, c'est bien une reprise de Menthe à l'Eau qui clôture cet album. C'est anecdotique peut-être mais diablement amusant aussi. Et confirme qu'Isaac Delusion reste une formation personnelle et accessible à la fois.

Leonard Cohen - Thanks for the Dance

2019-12-13T13:30:33Z

You were born to judge the world/Forgive me/But I wasn't

Un album posthume, surtout s'il n'est pas fini du vivant de l'artiste, ce n'est que rarement une bonne idée. Le génial Canadien avait pris congé de nous de la plus vibrante des façons, avec un album d'une beauté noire qui n'appelait pas de rappels. Il fallait prendre des précautions pour que ces lignes de voix prennent chair mais l'équipe autour de son fils Adam et qui comprend notamment Beck (c'est lui qui joue de la harpe sur The Night of Santiago, Feist ou Bryce Dessner de The National.

Leur bonne idée est d'en faire un objet simple. Il fallait de la sobriété, de la décence même. Ici, la voix prend énormément de place, et c'est un choix pertinent. A moins d'être survolté pour une raison ou une autre, il est impossible de ne pas céder à What Happens To The Heart. On sait tout de suite qu'on va retrouver cette légende pour un petit supplément qui ne se refuse évidemment pas. Et ça parle de disparition, directement mais avec pudeur (Moving On) et puis une voix pareille qui vous parle de l'holocauste, ça ne peut que faire de l'effet (Puppets). La distance est impeccable, cette pensée tellement accessible et poétique à la fois n'appartenait qu'à lui, c'est son don au monde.

Alors oui, il y a des mélodies, et c'est une de ses forces, exposées il y a un demi-siècle de ça. Elles sont moins présentes sans doute vu qu'il chante à peine mais il suffit de quelques variations sur It's Torn pour que paf, on plonge avec lui. Et on est carrément emportés quand The Hills s'étoffe d'un peu d'ampleur. On retrouve même ses arpèges tellement caractéristiques sur The Goal.

On n'attendait forcément plus d'album de Léonard Cohen qui semblait avoir livré son épitaphe définitive. Pourtant, plus que sur Popular Problems qui avait dissipé un léger ennui poli, on apprécie de retrouver cette poésie, cette voix et ce sens mélodique de légende. Cette petite dose inattendue, quand elle a cette dignité et quelques surgissements, fait assurément du bien.

Miègeville - EstOuest

2019-12-10T14:16:11Z

Quand on tient une découverte en chanson française, on la garde précieusement. Et il n'a pas fallu longtemps pour que l'EP qui nous avait signalé Matthieu Miègeville ne se prolonge en un album en bonne et due forme. On avait décelé un ton et non seulement il le garde mais il le renforce et le diversifie.

C'est ce qu'on constate quand on se frotte d'emblée au parlé/chanté d'emblée de Longue Nuit. Pour que ce genre de pièce fonctionne, il faut qu'on y croie, c'est une constatation. Et on y croit. Notamment parce que la musique suit l'intensité et module le morceau, ce qui le distingue du hip-hop sticto sensu. On retrouvera un morceau du même tonneau avec Les Portes qui développe une belle puissance. C'est en tous cas une bonne idée de passer la rage sur ce mode-là .

Ceux qui connaissent déjà l'EP retrouvent une nouvelle version de La Fin Des Combats qui s'appelle maintenant Tu Chantais. La version est plus alambiquée, un peu moins imprégnée de la mélancolie de base de la version originale, plus lourde donc et ça lui va fort bien aussi. Ensemble Dans Le Vent devient Acte Manqué et reste une des cartes de visite évidentes de ce premier album.

Les autres bons moments sont à chercher d'un autre côté, vers le bien beau Blanche, avec de discrètes cordes par exemple, ou Les Couleurs, Tu Vois qui use de petites touches pour avancer. On notera aussi l'intensité de Ma Garonne Débordera qui se place en héritière de Volga. Il confesse une fixette sur les fleuves et ça lui va plutôt bien. Le principal mérite d'un morceaux plus pop comme La Baleine Bleue (avec la voix féminine de Candice Pellmont du groupe Winnipeg) est d'assurer un équilibre au tout.

Il fallait un premier album pour entériner la promesse faite par Longue Distance et voilà , c'est fait. Si on note une évolution et de nouvelles pistes, il a gardé cette capacité à allier le fond et la forme. Ce n'est pas un débutant, c'est certain et on attend d'ores et déjà la suite.

Lauren Hoffman - Mercury Girls

2019-12-06T08:17:16Z

Quand on écoute un morceau, impossible de définir quel souvenir il laissera, a fortiori treize ans plus tard. Pourtant, si Choreography n'a pas marqué notre année 2006, on se souvient encore de quelques extraits et on n'a pas manqué le retour de l'attachante Lauren Hoffmann. A la relecture de l'article de l'époque, l'album nous avait donc semblé éthéré, un peu trop léger même. Deux albums sont sortis depuis mais ne nous sont pas parvenus.

Si on retrouve une belle délicatesse sur Shadow of The Moon avec chœurs et violoncelle, non seulement c'est plus convaincant, mais ce n'est qu'une des facettes de ce court album. On note en effet sur bien d'autres morceaux un gros revirement donc parce qu'il se permet d'être percutant. C'est le piano qui mène les échanges, appuyant d'emblée un If you don't love me anymore/I hope they burn down the tacos stand where we first met (Heartbreak and Tacos).

Il y a aussi des morceaux plus directs, franchement rock (Lost Cause) ou des incursions de soul blanche sur le plus alangui Sunrise at The Apocalypse. Dans le genre, c'est moins tarabiscoté que Regina Spektor par exemple mais avec en point commun une bien belle voix. On pense aussi à une version policée de St Vincent quand la belle mélodie de The Chemical entraîne ce morceau à tiroirs qui la montre à la manœuvre à tous les étages.

La timide Lauren Hoffman donne raison à notre patience, en montrant à quel point elle a évolué. Percussif et délicat à la fois, cet album varié montre que le futur lui appartient plus que jamais

Mercury Girls by Lauren Hoffman

Fink - Bloom Innocent

2019-12-04T10:20:57Z

Once you get a taste/You'll be back

Ce sont les seules paroles du morceau Once You Get A Taste et on peut témoigner, depuis qu'on l'a découvert il y a plus de dix ans en première partie de Soap&Skin, on est toujours revenus vers lui. Et il nous a toujours donné de très bonnes raisons de le faire. On a adoré quand il s'est fait plus spectaculaire sur Hard Believer, on avait aussi apprécié qu'il pousse le curseur de son style particulier vers le blues (Fink's Sunday Night Blues Club, Vol. 1) ou le folk (Resurgam). Parce que Fink, c'est avant tout un style, un assemblage subtil entre secousses, guitare acoustique et voix chaude.

Il faut pourtant pouvoir moduler son attente à l'entame de cet album qui se lancé par le groove discret mais certain de Bloom Innocent. C'est en effet un album qui prend son temps et We Watched The Stars est un peu lent sans doute. Il pourra apparaître un rien plus anodin en première écoute mais s'il y a des morceaux qui testent notre capacité de concentration (Rocking Chair, My Love's Already There), ce ne sont fatalement pas ceux qu'on retiendra sur ce dixième album.

Once You Get A Taste part d'emblée plus fort. Un arpège et une caisse claire, il n'en faut pas tellement plus pour que le morceau tienne tout droit et tout seul. Et si la montée est lente sur That's How I See You Now c'est une montée manifeste tout de même. Sa façon bien à lui d'être intense revient sur Out Loud, arpège et martèlement s'accordent pour que sa voix s'exprime au mieux. Il y aura d'autres excellents moments comme le beau chorus en suspension d'I Just Want a Yes. L'évolution de Fink n'est jamais spectaculaire et ne connaît pas de soubresauts et secousses mais elle est manifeste. Pas orientée vers un but précis mais louvoyant avec bonheur d'une teinte à l'autre au gré de l'inspiration.

Bloom Innocent by Fink

Picastro- Exit

2019-12-02T11:30:23Z

Il a fallu attendre 5 ans pour de nouveau entendre parler des Canadiens (de Toronto) de Picastro. On ne peut pas dire qu'ils ont perdu quoi que ce soit de leur allant pendant ce laps de temps. On retrouve leur utilisation presque exclusive d'instruments acoustiques, ces sons de cordes graves, la répétition de certains arpèges crée une filiation avec ce qu'on a appelé le néo-folk (Current 93, Sol Invictus, ce genre) mais ce n'est qu'un des repères qu'on peut se créer à l'écoute de cet album chaleureux mais perturbé.

Mais c'est ce qu'ils font de leur style de base qui est le plus important. This Be My Fortune par exemple est un morceau tout en spirales et vortex. Leur singularité peut aussi se faire plus enjouée, avec des voix multiples et étranges (A Trench). Il suffit d'une guitare à Mirror Age pour se lancer, avant que le morceau ne décolle dans le chorus notamment grà¢ce à une batterie en liberté. Ils arrivent en tout cas à maîtriser leur sujet, pouvant se permettre une fin plus bruitiste qui nous emballe sur This Be My Fortune.

La voix de la chanteuse Liz Hysen se fait plus étrange sur She's In Bad Mood et rappelle un peu des choses comme Miranda Sex Garden, ce qui dénote tout de même une belle versatilité. Plus proche de nous, on pourra aussi penser à My Brightest Diamond sans le brio vocal. Il y a comme souvent chez eux quelques invités et le moindre n'est pas James Stewart (Xiu Xiu). Il est en tous cas parfaitement à sa place sur Blue Neck dans cet univers certes loin de son camp de base mais qui lui convient assurément. Cette musique plutôt chaude et acoustique est un cocon hiératique et sombre qui contient ses angoisses comme peu peuvent le faire.

Picastro ressemble à de belles choses qu'on écoutait il y a fort longtemps et qui sont suffisamment hors des modes pour revenir à n'importe quelle période. Comme ils arrivent à rester fins sans être compliqués, leur style s'affine avec le temps.

Picastro "Exit" by Sleeping Giant Glossolalia/SGG Records