Esprits Critiques

Coraline Gaye - La couverture des Choses

marc — 2026-03-06T08:38:09Z

Brèche de Roland, ce nom étrange a résonné longtemps, malgré le temps qui passe et les centaines d'albums écoutés. C'est dire que cet EP avait marqué. Coraline Gaye revient sous son nom propre pour un premier album qui entérine définitivement un grand talent.

La chose qui frappe d'emblée et se confirme au long des écoutes est le relatif dépouillement qui laisse une grande place à sa voix, claire et aérienne. Intense mais jamais démonstrative. Pour préserver cette simplicité, elle s'est bien entourée, notamment de la basse et la batterie de Sacha Toorop (Zop Hop Hop, Dominique A) et de l'orgue de Thomas Cottom (Cabane, Soy un Caballo...). On remarque aussi les très jolis discrets choeurs de Claire Vailler. Sur un morceau comme l'ïle, ils sont spécialement judicieux.

Il faut de la confiance en ses morceaux pour oser les présenter ainsi. Il faut dire que le début d'album présente une enfilade de perles assez remarquable. La Bataille fait partie des morceaux plus étoffés qui séduisent d'emblée, de quoi se préparer à la gorge qui se serre un peu à l'écoute de Le Buffet, genre de valse qui ne peut lasser malgré les écoutes. Ce contexte est aussi propice aux surgissements comme

Le lancer de cailloux/Sur ton visage, c'est fou/Ne me soulage pas (La Lame)

L'album se fait alors plus hiératique mais nous garde toujours avec lui. Coraline Gaye ne triche donc pas, se livre sans artifice et livre un premier album d'une beauté rare.

La couverture des choses de Coraline Gaye

Monolithe Noir - La Foi Gelée

2026-03-04T07:33:37Z

Il est étonnant qu'un style de musique à la fois ancien et de niche comme le krautrock a une vivacité et une variété bien actuelles. Une des incarnations les plus intéressantes était le projet d'Antoine Messager Pasqualini qui de trio redevient solo pour cet album.

On entend certes des voix sur plusieurs morceaux mais le traitement est fondamentalement différent de ce qu'on entendra bientà´t chez Chaton Laveur, autre avatar de ce style mais d'un abord plus pop.

Si on ne retrouve plus aussi souvent la pulsation furieuse ou la noirceur qui faisaient le sel de Rin, il y a encore du spectacle sur des morceaux comme Seek You qui propose une étonnante combinaison de légèreté et de lourdeur. Le ton peut se faire aussi plus psychédélique sur Down In, avec le renfort de distorsion, de cuivres et d'une grosse basse distordue. C'est tendu et dense en tous cas.

On a toujours un grand plaisir à retrouver des morceaux plus véloces comme Running Fast qui dégagent alors une belle euphorie. A l'opposé, pour maintenir un équilibre délicat, on peut retrouver quelques respirations, enfin, si tant est qu'on puisse reprendre vraiment sa respiration. Et quand une plage comme Threat on Me semble plus désolée, elle s'énerve un peu pour fournir des plaisirs musicaux confinant au post-rock. Et d'une manière générale, on oscille entre des moments plus lumineux (la ritournelle de Virgox) ou plus hiératiques (La Foi Gelée). Bref, Monolithe Noir garde son potentiel de fascination.

La foi gelée de Monolithe Noir

Peaches - No Lube, So Rude

2026-02-20T07:50:31Z

Il y a des albums comme ça, qu'on écoute pour ne pas mourir idiots et sur foi de la réputation de l'artiste. Et puis plein d'écoutes plus tard, on doit convenir qu'on s'est attachés, qu'on l'a plus écouté que ce qui devait être dans notre zone de confort d'auditeur et qu'on en redemande. Donc on partage, c'est logique.

Le sexe est politique, c'est l'assertion qui aide à mieux appréhender cet album. Lisez la tracklist ci-dessous, c'est assez édifiant. Si ça vous rebute déjà , passez votre chemin. Si vous esquissez un sourire, aller plus loin vous réjouira sans doute. Mais le propos cru a une fonction, ce n'est pas de l'allusif de porno-chic, c'est le corps comme enjeu de batailles sociétales. Et puis sur ce terreau fertile, les surgissements sont légion. Des morceaux qui s'appellent No Lube So Rude (assez irrésistible) ou Not In Your Mouth None of your Business (morceau véloce qui claque), ça ne laisse pas indifférent.

Et puis ils sont diablement efficaces, ces morceaux, puissants sans être racoleurs. Le propos est suffisamment fleuri pour se concentrer sur l'essentiel. C'est de l'electroclash mais avec une force de frappe non disponible à l'époque.

Mais il y a des moments de relatif calme aussi comme Panna Cotta Delight. Le ton ne change pas, une electro plus feutrée (tout est relatif, on est dans du trap moins électrisé) prend le relais. Take It n'a pas besoin de bastonner plus que de raison pour marquer. Elle termine sur un I Wanna Be Loved qui sonne comme un apaisement mérité. Cet album est court et ne se désunit jamais.

Sans doute la collection de morceaux dansants la plus déviante et décapante de l'année, ce retour de Peaches est un coup de pied dans les burnes. Ou d'autres choses graphiques très bien détaillées. Un vrai plaisir en tous cas. Et une célébration d'une liberté rarement aussi manifeste.

No Lube So Rude de Peaches

Moby - Future Quiet

2026-02-18T07:29:29Z

Il faut sans doute être d'un certain à¢ge pour le reconnaitre mais Moby a été un passeur, un de ces artistes qui ont montré aux amateurs de rock ce qui se cachait derrière le voile electro. Je vous parle d'un temps d'avant un carton planétaire. Mais cette veine n'est qu'une des lignes de force d'une imposante discographie.

On ne va donc pas tenter de résumer les 22 albums précédents. Surtout que Moby n'a plus eu l'honneur de nos colonnes depuis longtemps. On ne peut pas dire qu'Hotel avait beaucoup séduit d'ailleurs mais il s'agit de toute façon d'un album plutà´t décrié.

La série Stranger Things a remis au goà »t du jour quelques carrières vénérables. Sur la dernière saison, on entend brièvement à un moment-clé le beau When It's Cold I Like To Die tiré d'un album de 1995. C'est ce qui a donné l'impulsion pour le retrouver ici, dans une nouvelle interprétation par Jacob Lusk (du trio Gabriels) qui peut se révéler poignante si vous y êtes bien disposé. C'est beau, indéniablement. D'une manière générale, il y a peu de voix sur cet album. On note surtout celle, presque Bel Canto d'Elise Serenelle et une ligne de chant plus minimale sur Retreat.

Sur This Was Never Meant For Us, ce n'est pas le chant désolé qui intéresse mais les cordes synthétiques plutà´t amples. L'ampleur n'est pas toujours visée, il y a aussi des plages plus simples qui mettent en évidence son talent de mélodiste. Mais il faut être honnête aussi, quand on a fréquenté les exercices piano solo d'artistes comme Christine Ott et de plein d'autres, ceci apparait comme moins sophistiqué. Il ne s'en soucie sans doute pas, le curseur étant depuis longtemps poussé vers un ambient plus modeste dans les intentions et les résultats. Un artiste comme Yann Tiersen s'aventure beaucoup plus loin par exemple.

Cette veine plus ambient encore d'ailleurs plus convaincante comme sur Ruhr ou Selene. La colonne vertébrale de l'album est là , dans ces morceaux apaisés. Cet album devrait être fourni avec une boite de thé. Ce n'est aucunement une critique, c'est presque une posologie. S'il n'y a volontairement que peu d'adrénaline, il y a un savoir-faire manifeste et une envie qu'on ne peut que saluer.

The Golden Son - Fixed Points In The Fabric of Reality

2026-02-13T08:49:58Z

On a tout d'abord pensé que The Golden Son était un projet parallèle et plus expérimental de Laurent Leemans, qu'on a mieux connu en tant que The Imaginary Suitcase (et La Vierge Du Chancelier Rolin mais ça remonte plus loin). Maintenant que TIS est un trio avec d'autres visées, The Golden Son devient l'exutoire solo. Mais comme pour mieux brouiller les pistes, voici un album entièrement constitué de nouvelles versions de morceaux de.. The Imaginary Suitcase.

Chouette pochette, un nom d'album compliqué et une typographie identifiable, pas de doute, on sait qui est derrière cet album. L'exercice n'est pas neuf, est plus pertinent artistiquement qu'un simple best-of et nous a déjà valu de belles réussites. Outre les auto-relectures de Basia Bulat ou Fink, on sait que Sundark and Riverlight de Patrick Wolf est l'album sur lequel on revient le plus volontiers.

S'y retrouvent forcément les morceaux les plus directs comme Love Is a Sick Joke. Des morceaux qui nous ont hantés manque peut-être I'm Coming Home. On prend toujours un grand plaisir à redécouvrir des morceaux qui nous ont marqués. Comme le très beau Every Little Things. Le violon de sa comparse de longue date Cécile Gona y est parfait, tout simplement. On note aussi la très belle fin électrifiée d'Electric Lights ou le bel arpège de The Greatest Love. Father a un petit cà´té folk gothique, celui qui a hérité du Velvet et s'incarne chez des artistes comme David E Edwards (16 Horsepower, Woven Hand).

On note une grosse représentation de l'album The gods gave you victory today only to make your final defeat more bitter de 2021. Sans doute que c'est une piste si vous voulez pousser la découverte plus avant. Pour ceux qui ne connaitraient pas encore la discographie de Laurent Leemans ou voudraient se rappeler ses hauts faits, cet album tombe à pic pour remettre en lumière un songwriting limpide et inventif et sa voix chaude.

Fixed points in the fabric of reality de The Golden Son

Larsen - Decalcomania

2026-02-06T08:09:05Z

à‡a faisait un petit temps qu'on n'avait pas évoqué la personnalité multiple de Fabrizio Modonese Palumbo (seul, avec Enrico Degani ou Almagest ! ou ( r )). Il nous revient avec les assez emblématiques Larsen, trio qu'il forme depuis 1995 et 20 albums avec Marco "il blue" Schiavo et Paolo Dellapiana.

Il faut l'avouer, on ne connait de la formation italienne que deux albums, tous deux composés de deux très longues plages faisant la part belle au drone et donnant une approche musicale à d'autres arts (photographique et culinaire). Ici, on retrouve bien une plage presque ambient avec Substrata mais les aspects plus anxiogènes sont moins prégnants. La rythmique est certes discrète mais bien présente sur tous les morceaux. Du drone, on ne retrouve que la liberté et la science du son.

Volontiers expérimental, Larsen se fait ici plus mystérieux et conciliant. Mais bien trop dense pour être ambient ou même house. C'est électronique pourtant, faisant la part belle aux paysages sonores. La clarinette de William Basinski, un rien déstructurée, vient apporter une touche free-jazz à The Distress Lounge ou au dense POV 20 qui conclut cet album. Le voyage sonore de ce nouvel album de Larsen est donc varié et très accessible et se présente sans doute comme une des portes d'entrée possibles à cette formation toujours en mouvement.

Decalcomania de Larsen

Searows - Death In The Business of Whaling

2026-02-04T08:03:13Z

Phoebe Bridgers est une figure tutélaire assez imposante dans le landerneau des musiques apaisées. Certes, elle est elle-même moins omniprésente que dans un passé récent, mais son ombre plane sur énormément de projets, de Benni à Searows dont on découvre un second album après un EP qui nous avait bien tapé dans l'oreille.

Ceci est plus sombre peut-être, peut se poser en chainon manquant entre la sociétaire de Boygenius et Ethel Caine (en première partie de laquelle Alec Duckart a joué). Pour surnager, il faut les morceaux. Et puis garder cette intensité d'interprétation. Il y a les deux ici et subjectivement, c'est très beau.

Et puis sans avoir l'air d'y toucher, le son est bien plus enveloppant qu'on ne pourrait le penser de prime abord. Hunter n'est pas un morceau de feu de camp. Le premier album était de la bedroom pop pur jus, le processus d'ouverture au monde vient juste de commencer. Si on se réfère à des exemples du coin (Seattle), la trajectoire de Perfume Genius doit donner de beaux espoirs.

Et pour sortir de l'uniformité, rien de tel que l'électricité de Dearly Missed. Et des morceaux comme Junie peuvent être brouillardeux à souhait. Impossible de renouveler ce genre de folk dense et cotonneux. Mais si le genre vous plait, il n'y a pas à tergiverser.

Death in the Business of Whaling de Searows

Xiu Xiu - Xiu Mutha Fuckin Xiu vol.1

2026-01-30T07:13:10Z

Une personnalité aussi forte que celle de Xiu Xiu est un appel à la reprise. On connaissait leurs reprises depuis longtemps, c'est peut-être via leur cover de Don't Cha qu'on s'était frottés une des premières fois à leur univers. Les morceaux présentés ici sont une compilation de ceux qui sont proposés mensuellement à leurs souscripteurs Bandcamp.

Le trio s'approprie forcément ces morceaux et confirme que sous des dehors métastables, James Stewart est un interprète exceptionnel. Il n'y a qu'à écouter Arp Omni sur leur album précédent pour se rendre compte qu'il n'a pas besoin de grand' chose pour convaincre. Très typé, son chant peut aussi se conformer au style demandé. On se rappelle alors qu'il faisait partie de cette relecture de la trilogie berlinoise de David Bowie par la bande de Shearwater.

Evidemment que Psycho Killer est taillé pour lui. Il en garde les gimmicks, en maintient tout le cà´té malsain tout en ne l'alourdissant pas, notamment grà¢ce au boulot de David Kendrick aux percussions. Ils ne sont pas là pour se payer des classiques mais donner des versions obliques. I Put A Spell On You devient une pièce tordue de free-jazz psychopathe.

Mais rien n'est vraiment dénaturé non plus, Dancing On My Own de Robyn gardant toute sa fluidité. Certaines versions vont aussi à l'essentiel comme Cherry Bomb des Runaways ou le toujours beau Some Things Last a Long Tim de Robert Johnston.

Et puis cet album permet d'élargir sa culture générale en se renseignant sur les morceaux originaux. C'est sans doute Angela Seo qui déclame sur Hamburger Lady. Comme c'est un morceau de Throbbing Ghistle, on n'en attendait pas beaucoup d'accessibilité et ça reste donc très anxiogène. Ils enchainent avec une reprise de Roy Orbison (In Dreams) dans laquelle la mélodie est préservée, avec un croon qui désarçonne. Pensez à Alan Vega qui reprendrait Elvis.

Après toutes ces années, on n'avait jamais pensé à la filiation entre Xiu Xiu et une formation comme Coil. Elle saute aux oreilles pourtant et reprendre Triple Sun prend tout son sens. On se rappelle au passage cette terrifiante reprise par Coil de Tainted Love. Comme pour fermer cette boucle, Sex Dwarf de la bande de Marc Almond est présente ici et ça dépote un peu. Sans doute que This Heat est aussi une influence et leur impressionnant SPQR est de la partie.

Globalement plus rude que leurs derniers albums, cette série de reprises permet de mieux appréhender d'oà¹ vient Xiu Xiu et ce qui continue à en faire une des formations contemporaines les plus passionnantes. Ces versions de morceaux souvent exigeants mais d'origine très variée sont autant de pistes explorées avec une lampe de poche dans le noir.

Xiu Mutha Fuckin' Xiu : Vol. 1 de Xiu Xiu

Tommaso Varisco - Driving Backwards, the Winter EP

2026-01-23T08:54:22Z

à‡a y est, la série de 6 EP de Tommaso Varisco est maintenant bouclée. Après deux premiers EP axés sur les concepts de guerre et paix (qui résonnent encore plus aujourd'hui), il a fait le tour des saisons pour terminer ici, renouant avec la veine folk-rock qu'on lui connaissait sur le toujours recommandable album These Gloves qui l'emmenait dans le nord, très dans le nord. On retrouve d'ailleurs Stella Burns sur un morceau.

Si le ton est plus serré, c'est moins le froid que l'espace qui domine ici. Et cette note finale est bien revigorante. Si le songwriting est toujours soigné, il s'aventure aussi en mode instrumental dès la fin rêveuse d'A Girl With Her Dog et sur le court et final Winter.

Avec le recul d'une belle série de sorties courtes, on découvre à quel point le talent du musicien de Chiogga est versatile. Par petites doses ou en assemblant un format long, tout passe avec une fluidité remarquable. Allez, on rebobine et on enchaine le tout.

Driving Backwards, The Winter Ep de Tommaso Varisco

Kloé Lang - Interstices (EP)

2026-01-21T13:22:00Z

Cela fait un petit temps qu'on suit Kloé Lang. Découverte par ses étranges reprises de Barbara et Janis Joplin dans le cadre d'un spectacle et puis un EP de chansons, voici qu'elle revient avec cet EP qui affine encore son style.

La belle voix délicate reste mise en avant, poussée par des mélodies plutà´t tortueuses. Par rapport à des autres artistes d'un genre comparable (Solann ou Coline Rio sont les deux premières qui viennent en tête), c'est cette accessibilité moindre qui la cantonne pour l'instant au landerneau indé. Une conséquence est qu'il faut plus de temps pour laisser percoler cet EP. Mais ça ne doit pas être un frein. Surtout qu'il y a en effet une élégance indéniable dès Interstices et une profondeur dans Mon Vautour. Les textures sonores restent sobres parce que la luxuriance est sous-jacente et discrète.

On dirait qu'elle ne voit pas beaucoup de foot. Hourra semble aller contre sa nature mais c'est une petite escapade de la vraie vie qui fait sourire (même si on traite d'un rendez-vous manqué) et apporte un peu d'air à un univers plus retenu. L'évolution de Kloé Lang est donc manifeste et promet des lendemains qui chantent (fort bien).

interstices (EP) de Kloé Lang