Esprits Critiques

Brisa Roché - Takes

2008-03-21T17:43:28Z

Revival 60's ou retro indie pop

Recup fin 2007

Cela commence sur un chant rappelant le phrasé anglais de Syd Barrett sur une sonorité piano une peu vieillie. Ce premier titre donne bien le ton général de cet album de Brisa Roché.
Heavy Dreaming commence un peu kitsh, on s'attend à un morceau de pop lourde par un girls band, mais c'est finement rattrappé et on finit par penser à des groupes des 60's tels que le Jefferson Airplane, Mama's and Papa's.
Le timbre de voix n'y est sans doute pas pour rien. En fin de morceau on assiste à un effet de pan tout à fait audacieux, pas spécialement réussi mais qui fleure bon l'évasion, l'expérimentation, et à nouveau rappelle les débuts de la stereo et ses mixes extrêmes frolant le mauvais goà »t (pour exemple, réécoutez la version originale de Yellow Submarine des Beatles).

Ensuite avec The Drum on revient à une ballade blues plus classique, à Bob dylan et à beaucoup de choses depuis.

High aussi est un titre évoquant ces groupes psyche des années 60, Jefferson Airplane, ou encore, par la basse, ce titre de Roland Vincent récemment repris sur la BO de Ocean Twelve (également samplé par Kid Loco dans son premier titre phare She's My Lover). Notons également les arrangements d'orgue très légers qui font toute l'atmosphère.

On assiste ausi à des duos comme sur Hand on Steel où le texte est doublé par une voix d'homme bien discernée, cela donne l'impressiond 'assister à un petit moment privilégié d'improvisation.

Whistle est le titre phare et promotionnel de l'album, qui passe bien à la radio à côté de On My Shoulders de The DO ou de I Kill Her de Soko. Tout ça fera partie des bons souvenirs de 2008.

C'est le moment de sortir une petite théorie, on a assisté à un revival folk, est-ce que de la même manière que cela a évolué à l'époque on assite pas à un approfondissement du style, à une dérive menant à des choses plus psyché. L'album de Brisa Roché illustrerait cela, le nouvel album de Portishead également même s'ils ne se réclament pas du folk mais on retrouve ce côté épuré côté voix et ce côté nu de production tout en étant très recherché. Cependant, pas d'illusion, nu de production n'existe pas, c'est certainement un travail plus subtil par rapport à des productions normalisées.

Citons encore d'autres titres tels que Trampoline, un mix judicieux d'une guitare finement reverbérée sur l'arrière et la plage bonus, aux sonorités clairement retro, rappelant les premiers pink floyd.

Au final, ce second album de Brisa Roché est très réjouissant, varié et intéressant sur toute sa longueur.

http://www.myspace.com/brisaroche

The Hives - The Black and White Album

2008-02-23T20:36:52Z

Petit dernier turbulent.

Trois années ont passé et les Hives ont eu le temps d'etrainer Tyrannosaurus Hives sur toutes les scènes d'Europe. Il était donc logiquement temps de sortir un nouvel album.
L'accouchement n'a pas l'air d'avoir posé de problème particulier, tout du moins au vu de la vitesse, de leur présence aux festivals estivaux et le fait que la presse spécialisée soit restée silencieuse sur cette génèse.
Ca doit certainement être plus simple de faire un album de Hives qu'un album de ... Ghinzu disons.... ou alors ??? Enfin, bref, il est là donc !

Avec les Hives, le contrat est simple : on attend un rock garage, hurlé, entrainant et amusant. Et pour la peine on est servi.

Une bonne moitié des morceaux touchent en effet parfaitement le cœur de la cible. Les riffs sont bien acérés, le chant est energique comme il se doit, bien que que toujours limité. Il est même agrémenté sur Try Again de quelques coeurs. Et puis,avouons le un de mes plaisirs coupables vient évidemment des "catch lines" des Hives :
"They say the definition of madness is do the same thing and expecting a different result"Try Again

"Well, Don't have no money cause I don't have a job
Don't have a job cause I ain't got no skills
Ain't got no skills cause I was not trained
I was'nt trained cause I did'nt go to school
Did'nt go to school cause nobody told me
Nobody told me cause nobody knew shit
Nobody knew shit cause nobody knows nothing
Nobody knows nothing and that's just it, What can you do ?"
(Square one Here I come)

On n'est pas vraiment au niveau narratif d'un Art Brut ou d'un Mike Skinner mais on sourit quand même largement à l'écoute de ces divagations survoltées.

Sur It won't Be Long, la pallette sonore s'élargit avec l'introduction de quelques claviers et de quelques sons synthétiques - quand je dis synthétiques, ne pensez surtout pas electro ! C'est synthétique comme le sont les claviers sur les albums de Bon Jovi, si vous voyez....
Et ça tient la route. It won't be long est probablement la meilleure chanson de cet album, une épaule devant Bigger Hole to fill.

Un second essai avec Giddy up est moins concluant, malgré un ligne de basse me faisant inévitablement penser à Train in Vain de The Clash. Je sais ce n'est pas la même mais je n'y peux rien.

Quelques titres (Return the favour, You got it all... Wrong) sonnent comme des hymnes punks. Ca fait sourire et ça fait plaisir à entendre.

On peut donc considérer le cahier des charges rempli. Cet album est d'ailleurs prêt à aller compléter ma collection.
N'esperez surtout pas un renouveau du genre, mais si vous avez aimé les précédents efforts des Hives, vous aimerez toujours.

Patrick Watson - Close to Paradise

2008-01-24T12:12:44Z

Vraiment close !

Un petit coup de récup sur mescritiques avec l'un des artistes ayant marqué l'année écoulée. Car on en parle depuis un petit temps déjà , mais il semble que le dernier album Close To Paradise de Patrick Watson vienne seulement de sortir dans nos bacs (première release en 2005 semble-t-il), peut-être grà¢ce aux commandes nombreuses faites en magasin. En tout cas ce chanteur canadien est en plein buzz suite à cette année bien remplie de ce côté de l'atlantique ; citons entre autre sa participation remarquée sur le dernier Cinematic Orchestra, son concert intimiste et passionnant au Pukkelpop 2007, une chanson reprise pour une des séries de l'année Grey's Anatomy, et finalement une place honorable pour Close To Paradise dans les charts, dans les top albums de cette fin d'année.

Patrick Watson est un pianiste, de fomation classique, que l'on imagine oscillant entre ces deux mondes de la pop et du plus académique.
Patrick Watson est aussi le nom du groupe de Patrick Watson. Ils sont 4, aux piano, guitare, basse et drums.
Sous ses balades romantiques, Close To Paradise cache des mondes mystérieux, un peu de la californie des Beach Boys pour le titre d'ouverture Close To Paradise, un peu du monde de Tim Burton pour Daydreamer, un peu du vieux monde de Disney pour certains choeurs un peu vieilli et torturé ou de la féérie à la Yann Tiersen avec Weight Of The World

D'autres titres sont plus dispensables peut-être, un peu trop "joli coeur" , avenant, mièvre ou plus pop classique [Giver] ou au style trop particulier comme un "retrobluescancan" [Bright Shiny Lights].

Le sommum de l'album est sans conteste la plage 6 The Storm où l'on retrouve une synthèse de ce qui est dit précédemment, ainsi qu'un mix particulièrement ambitieux d'une guitare rythmée, d'une voix lofi, de reverb, de choeurs et de guitares californiennes donnant des frissons dans le dos. Rien que pour ce titre, l'album vaut le détour.

D'autres titres tiennent de la musique de film, comme une BO pour The Piano [Mr.Tom] ou de la musique de série comme The Great Escape justement utilisé pour la série Grey's Anatomy.

Close To Paradise est le troisième album de Patrick Watson, et pour avoir récupérer le précédent Just An Ordinary Day sorti en 2003, je vous le conseille tout aussi chaudement, pour ses balades éthérées au piano (plus présentes alors) judicieusement mêlée d'effets sonores donnant l'idée de la genèse de Close To Paradise.

Patrick Watson nous montre son idée du paradis, c'est sur terre et ça tient en un album.

Yeasayer - All Hours Cymbals

2008-01-10T23:08:55Z

Une grosse envie d'été

Voyez-y du mauvais esprit si ça vous chante mais certaines musiques m'ont l'air d'avoir pour intention de brouiller le pauvre critique. C'est que quand on pense que tous les assemblages ont été tentés, il reste encore des pistes à exploiter. Dès lors, essayer de brancher un groupe et son public, ce qui est le but implicite de ce site devient compliqué. On va quand même tenter de vous intéresser à ce rattrapage de l'année écoulée.

La musique de Yeasayer est une des preuves auditives que toutes les boutures sont à même de prendre quand un peu de talent est employé à leur réalisation. Une fois encore, c'est par la voie des comparaisons tordues que j'espère m'en sortir. J'évoquerai donc une sorte de Tv On The Radio en tongs, de Panda Bear à la plage, voire Caribou au club méd. Ils partagent avec les premiers le goà »t de la soul détournée et des voix de tête (le brillant Sunrise d'ouverture), avec les seconds un sens de la mélopée (Germs et Ah, Weir qui se succèdent) et les troisième celui des harmonies vocales. Car ils jouent sur plusieurs fronts, ceux de la texture et du son, mais aussi celui de l'harmonie. C'est qu'après cinq jours d'enregistrement seulement ce sont des mois de postproduction qui ont été consacrés au polissage de ces morceaux.

C'est la chanson 2080, qui a fait le tour des blogs qui est à l'origine de la réputation apocalyptique du propos de Yeasayer malgré l'aspect très ensoleillé (africain ?) du morceau. Honnêtement, même si mon anglais n'est tellement à blà¢mer sur ce coup-là , les paroles ne sont pas exactement mixées en avant et restent peu intelligible pour le francophone moyen.

On dénotera aussi au passage de grandes traces de psychédélisme (Wait For The Summer est fort réussi) qui rendent écoute ensoleillée et plutôt variée. C'est que certains premiers Pink Floyd ne sont pas loin (Wintertime). Et ce ne sont pas les parties de guitare d'un No Need To Worry, judicieusement placées qui infirment cette impression. On aura presque fini le name-dropping avec le Paul Simon circa Graceland puisque visiblement ces gaillards proposent une vision détournée de l'afrobeat.

Les voix, souvent dédoublées, sont le ciment entre toutes ces chansons certes très cohérentes dans leur intention mais moins uniformes dans le traitement. Il est très étrange d'avoir passé une année en citant aussi souvent les Beach Boys. Bien que tombant parfois dans la redite, cet album de Yeasayer intrigue et enchante aussi. C'est qu'il se dégage de son écoute (surtout répétée) une volonté de tracer son propre chemin qui les distingue. Même si la famille d'intention est connue (celle qui va de A sunny Day In Glasgow à Vampire Weekend), c'est un de ces groupes pour lesquels on pourrait créer une étiquette pour eux seuls. C'est qu'il ne s'agit pas d'influences diverses de musiciens qui décident de jouer ensemble ni d'une compilation sautant d'un genre à l'autre mais d'une enfilade de morceaux cohérents.

Vers la fin de l'album l'attention chute inévitablement puisque les morceaux plus anodins s'y retrouvent groupés. Ecouter l'album dans un ordre aléatoire confirme que ce n'est pas la lassitude qui en est la cause. On n'a donc pas l'intransigeance d'un Animal Collective mais pas non plus la facilité pop de l'imminent Vampire Weekend. Gentiment barrée, la musique de Yeasayer est à même de satisfaire les curieux qui souhaitent une pause dans des expérimentations. L'alternative est intéressante, trop lumineuse pour sembler prétentieuse, mais manque peut-être un peu de quelques titres plus puissants pour oser défier les nouvelles références. C'est donc comme complément psychédélique aux indispensables défricheurs qu'il faut les appréhender que comme la révélation de l'année 2007. A part les allergiques aux chœurs, tout le monde pourra trouver un intérêt pour cet album qui flanque une sérieuse envie d'été.

Moriarty - Gee Whiz but this is a lonesome town

2008-01-04T13:03:42Z

Hors du temps mais pas vraiment

Encore un ovni musical. Enfin, soyons juste, il n'y a rien qui puisse immédiatement dérouter chez Moriarty (le méchant dans les romans de Conan Doyle) en première analyse. C'est quand la variété est révélée, que les subtilités se révèlent qu'on peut appréhender le côté inclassable de ce country-folk qui use des clichés pour mieux s'en jouer. Avec réussite comme nous allons le voir.

Moriarty repose sur un line-up franco-américano-canadien à ce que j'en ai compris, vu qu'ils pratiquent le brouillage de pistes volontaire. C'est sans doute pour ne pas polluer par des considérations biographiques réelles la cohérence de la démarche. Ce qui frappe d'emblée, c'est la très belle voix de Rosemary, pouvant faire passer avec subtilité toute la diversité des ambiances distillées, de la balade faussement gentille (le très réussi Private Lily) au plus inquiétant et tout autant réussi bastringue d'Animals Can't Laugh (And you're animal too/Sorry for you y est-il dit).

Dans le détournement des clichés musicaux du sud des à‰tats-Unis (voire d'une certaine tradition folk européenne), on pense à Woven Hand mais plus dans l'intransigeance de la démarche que dans le résultat, moins halluciné. Autre point commun, une sensation d'intemporalité qui se dégage. Même s'il faut nuancer la remarque par l'intrusion d'éléments (sushis, pizzas, M16) qui ancrent ces histoires dans notre quotidien. Mais du reste n'est-ce pas une caractéristique historique du folk ?

Evidemment, certains titres paraissent assez classiques (Motel) dans le registre blues mais comme c'est impeccablement exécuté on n'y voit aucun inconvénient. Moins classique est la percussion à la valise qu'ils revendiquent (une machine à écrire fait l'affaire sur Jaywalker). Je ne laisserai de toute façon pas passer l'occasion de vérifier ça. Un univers pareil doit sans doute prendre toute sa saveur en concert si vous voulez mon avis.

On est parfois proche du pantomime (LovelinessE) et c'est cet amour de la performance qui les distingue. On sent qu'on est là pour plus qu'un banal enchaînement de chansons. Mais pas de bonne musique sans l'intensité. Et ils savent comment l'installer. Par exemple en insérant une rampe de lancement instrumentale au très langoureux Cottonflower où la voix montre encore sa capacité à évoluer dans plusieurs registres. Mais aussi en reposant sur des mélodies vraiment faciles comme Fireday. Une petite guitare, une voix, et ce n'est pas minimaliste, juste suffisant

Semblable à de l'américana haut de gamme en première écoute, Moriarty distille au fur et à mesure de la connivence un réel esprit, renforçant les qualités individuelles des chansons. Ils intéressent dès la première écoute mais il faut leur laisser la chance de montrer tout leur potentiel qui se situe au-delà du classicisme de façade.

Pour vous faire une idée, il y a leur Espace et un post sur Radiolibre.be

Dominique A - Sur Nos Forces Motrices

2008-01-03T13:13:39Z

Instantané actuel d'une carrière

C'est un usage bien établi et presque caricatural en chanson française, dès qu'un album marche, la tournée qui suit est consignée sur un album live. Même les débutants ont droit à cet égard. Et frôle même le ridicule quand l'album précédent est lui-même un live (Anaà¯s). Mais les anciens duettistes de la nouvelle chanson échappaient à cette règle. Je mets le verbe au passé parce que Miossec s'est fendu d'un Brest-of qui propose sur un Dvd bonus une captation live et que débarque ce concert de Dominique A.

Mais ce n'est pas complètement la même chose. Tout d'abord, parce qu'il ne reste que trois titres de l'excellent dernier album studio, L'Horizon. Ensuite parce que la démarche artistique est légèrement différente. A l'instar de Jean-Louis Murat, dont les précédents Murangostang et le double Live Au Grand Air - Live In Dolores furent plus des terrains d'expérimentations que la célébration d'un répertoire récent avec foule hystérique, ce concert permet de revisiter les précédentes productions de Dominique A en tentant des versions neuves.

Le Courage Des Oiseaux (quinze ans d'à¢ge) est un exemple typique de ce live, à savoir une nouvelle mouture, plus rock, du morceau. On sent que les musiciens aiment cette façon qui est aussi convaincante dans un concert, comme Antonia dont les défoulements guitaristiques se relèvent d'une inutile mais vraisemblablement défoulante rock attitude. De même, Pour la peau vire dans un vrombissement (enfin tout relatif) de guitare après s'être fait gratifier d'une introduction plus longue et purement instrumentale. Mais heureusement il ne s'est pas contenté de mettre les doigts dans la prise pour ces réinterprétations. Il garde sa facture classique sur Le Bowling (qui m'était inconnu), un morceau caractéristique de son style, à la deuxième personne, au contenu implacable, un peu mélancolique mais dénotant un grand appétit de vivre. On se rend compte qu'il a une vraie â€˜patte'. Il reste une personnalité talentueuse et originale, donc forcément attachante.

Tout ne m'a sans doute pas bouleversé. En effet, les structures harmoniques comme à leur habitude reposent sur une idée simple poussée dans ses derniers retranchements. Certains morceaux pourront donc sembler longuets (Tout sera comme avant, Marina Tsetsaeva) mais comme le propos est toujours subtilement écrit on écoute. Dans le même ordre d'idées, Music Hall ne me passionne toujours pas. Les deux autres survivants de la dernière livraison studio restent par contre impeccables (L'Horizon et La Relève). On n'égrène pas de vieilles rengaines vu que l'exposition médiatique n'est pas exagérée. On retrouve dès lors avec plaisir des morceaux comme Antonia ou Le Commerce de l'Eau.

Il ne faut pas donc voir dans ce live une célébration d'une tournée triomphale ni même une façon subtile de fourguer un best-of mais une captation de l'état d'avancement à un temps t d'une des meilleures discographies dans notre langue. C'est à ce titre qu'il pourra aussi bien satisfaire les fans que les curieux.

Holy Fuck - LP

2007-12-30T18:56:03Z

Canada Express

Il est étonnant de constater le nombre de musiciens à la pointe de ce qu'il faut encore appeler le rock qui utilisent des rythmes qu'on pourrait qualifier de tribaux. Il est encore plus surprenant de réaliser qu'ils sont presque tous passionnants. C'est que le mélange d'une musique pas toujours facile (osons le reconnaitre) et de rythmes vraiment endiablés comble à la fois le corps et l'esprit. Dans les exemples récents et sans souci d'exhaustivité, citons pêle-mêle Animal Collective, Panda Bear, Liars ou Battles, voire même les concerts de Caribou. C'est d'ailleurs dans la fougue de ce dernier que la réussite de cet album d'Holy Fuck réside.

Disons-le franchement, ce bon album n'apportera pas son lot de surprises comme ceux des groupes susmentionnés mais un bon lot de moments inspirés. C'est que la musique pratiquée par le duo de Toronto comporte une vraie pulsation, faisant penser à du Fujiya & Miyagi ayant ingéré une dose pas raisonnable de Dextro Energy. On pense aussi aux violons synthétiques des plages instrumentales de Death In Vegas (Lovely Allen), voire à du Big Beat par moments. C'est principalement instrumental, avec des brivbes de voix déformées de temps en temps.

Il faut quand même isoler certains titres vraiment réussis, de ceux qui réjouissent complètement. C'est leur intensité supérieure qui nous permet occasionnellement de proférer l'interjection qui leur sert de nom. C'est sympa d'y avoir pensé pour les critiques en mal de vanne. Citons Royal Gregory donc parmi ces moments plus inspirés. Ou encore la folie douce de safari qui les rapproche de la folie plus pure elle d'Animal Collective, voire de Battles (le glissando de basse de Choppers). Que des bonnes références donc, qui font fatalement un album cohérent, plus linéaire cependant que ses points de comparaison. Impossible dès lors de voir une véritable ressemblance, ce qui est également positif.

En apportant une touché énergique et très accessible à un genre plutôt abstrait, Holy Fuck pourra servir de porte d'accès à tout qui voudra rattraper le train des groupes les plus influents de ce monde parallèle de la musique indie. De plus, ce premier LP les envoie directement dans une catégorie indispensable, celle qui donne la pêche sans coup férir.

PJ Harvey - White Chalk

2007-12-26T15:28:55Z

Surpris, captivés et heureux.

PJ Harvey a toujours joué de contrastes, passant de l'ombre et de la lumière : Lumière et prestations mémorables sur scène/ ombre et discrétion dans le privé.

De même pour ces albums, elle a réussi le pari de surprendre le public à chaque sortie, passant des collaborations trip-hop, au rock raide, en faisant un crochet dans les complaintes sombres d'un certain Nick, pour accaparer le devant de la scène avec un album d'ouverture (Stories from the city,...) pour enfin revenir à un discours rude et direct sur le Uh Huh Her.

Ce White Chalk ne déroge pas à la règle : PJ change ici la donne, offrant cette fois un album aux compositions concentrées sur le piano.
Cette album concept renouvelle le type de répertoire de PJ Harvey de manière fort intéressante, et nous apportent une dizaine de chansons, exquises et consistantes dans leur ensemble.

Le résultat est forcément plus intime, plus doux, plus cotonneux que ce nous avions connu d'elle jusqu'à ce jour.

Dans The Devil, Dear Darkness, les tempos sont calmes, on découvre en douceur cette univers agréable.
Les accords sur Grow grow sont légèrement moins "exacts", les ruissèlements d'harpes nous entrainent dans des envolées en trois temps, guidés par la voix de Polly.

La cover épurée avec Polly et certains des titres donnent l'impression de se retrouver au fin fond du far west (banjo sur White Chalk ou Silence), dans la petite maison dans la prairie (La robe de Polly) ou bien encore dans un vieux saloon avec son piano honky-tonk désaccordé (To Talk To You).
Ce type de composition brute avec ces instruments désaccordés est d'ailleurs un autre trait de cet album comme le prouve le bien nommé Broken Harp.

Dans ces atmosphères, la voix semi-étouffée, la douce mélancolie, Silence nous rappelle Lisa Germano, ce qui est une référence en la matière mais dont les univers sont a priori très éloignés.
Et il y a cette intensité qui confère un peu d'intimité à un titre plus léger comme The Piano.

En parlant de piano, on remarque ça et là quelques similitudes avec des chansons de Bat For Lashes dont c'est la discipline première. Cependant l'album de Polly Jean fait preuve de plus d'abnégation vis-à -vis des émotions, se fait plus proche et moins "cold wave".

Pour compléter le pédigré de ce White Chalk, on signalera que la production a été confiée à des compères de longues dates, John Parish et Flood [1].
On y sent une certaine retenue devenue rare dans les productions actuelles, une voix éloignée et fragile qui force l'intimité et renforce les mélodies mélancoliques.

Seul véritable point négatif ; l'album est un peu court (33min). Peut-être est-ce pour vite revenir aux premiers morceaux dont les mélodies donnent un peu de fraicheur à une écoute un peu hypnotisante ?

Au final, on est évidemment content de retrouver Polly et un peu surpris par la différence de la démarche.
Bien sà »r, son talent indéniable l'empêche de se planter mais à l'instar de Nebraska de Bruce Springsteen, on imagine qu'il s'agit plus d'une pause que d'une nouvelle orientation. C'est que les chanteuses dont ce genre d'intimité est le fonds de commerce sont légion.
En outre elle avait déjà commis un retrait similaire par rapport à ses productions plus habituelles avec Is This Desire ? en 1998, en s'éloignant des guitares pour fournir des pièces plus ambiancées autour de basses, claviers et électroniques diverses.

En résumé, une fort bonne surprise pour une PJ Harvey dont on attendait finalement pas mieux, et qui arrive une fois de plus à nous prendre à la dérobée. Apparu en toute discrétion dans le courant du deuxième semestre, il pourrait bien dépasser d'autres albums sur la ligne d'arrivée dans la course aux meilleurs albums 2007.

[1] aka Mark Ellis, il a produit entre autres pour Depeche Mode - Violator -, Smashing Pumpkins - Mellon Collie...-, PJ Harvey - To Bring You My Love -, U2 - Zooropa -. Voilà un court extrait des albums à son actif.

Les Savy Fav - Let's Stay Friends

2007-12-18T13:17:47Z

L'avenir est au composite

La moindre des choses qu'on exige d'un album, c'est qu'il fasse du bien par où il passe (typiquement les oreilles). C'est partant de cette simple constatation qu'on va essayer de déterminer ensemble pourquoi le quatrième album des New-Yorkais de Les Savy Fav correspond à ce cahier des charges.

Le morceau d'entrée est comme il se doit assez engageant. Avec un riff un peu en retrait est assez efficace et une voix légèrement décalée, le décor est planté. Comme pour expliquer qu'on est dans l'indie, pas dans cette soupe pour ado qu'est devenu maintenant l'alternatif. Il n'y a pas que la musique complexe d'abord qui nécessite une écoute répétée et approfondie. Spoon étant un exemple récent de cette assertion et celui-ci est encore un exemple de groupe à plusieurs niveaux d'écoute. Mais c'est dans la variété et dans la maîtrise dont ils font montre pour l'apprivoiser que ce Let's Stay Friends marque le plus de points.

Par exemple, Kiss Kiss Is Getting Old et sa voix féminine font clairement penser aux vétérans de Sonic Youth, les sons de guitare déconstruits étant là parfaitement raccord. Mais comme chez les indispensables New-Yorkais, ils savent un peu rentrer leurs griffes. C'est en tous cas une référence qui traverse l'album en filigrane, en arrière-plan, pour enrichir ces petites pièces pas si pop que ça. On a aussi une incursion dans Angleterre des Bloc Party et Rakes pour The Year Before 2000 ou What Wolves Would Do qui a en outre l'aspect ensoleillé de Mercury Rev. Rien que ça. On ira même jusqu'à l'axe Tom Vek - Beck sur Brace Yourself, voire un Modest Mouse en période de repos. Mais il y a aussi des morceaux plus incisifs. The Equestrian, Rage In The Plague Age ou Slugs In The Shrubs sont donc plus rentre-dedans et je ne vous cacherai pas longtemps que c'est un peu trop pour moi. Je sais ce qu'on dit hein « Si ça va trop fort et trop vite, c'est que vous êtes trop vieux ». J'assume. C'est le côté Seattle années '90 qui est présenté ici et il faut reconnaître que quand ils vrombissent ils ne se départissent pas de leur savoir-faire. C'est comme synthèse cohérente de plusieurs courants alternatifs américains qu'ils se présentent et c'est à ce titre qu'il est si varié et agréable. Les morceaux de transition prennent alors toute leur importance (Comes & Goes)

L'alternance de morceaux parfois casse-oreilles pour mes aspirations et de pièces plus subtilement emmenés fait mouche pour la diversité. Sans fioritures (la durée moyenne doit se situer dans les trois minutes), suffisamment varié pour que la nervosité ne soit pas un frein au plaisir, Les Savy Fav nous livre un album riche qui ne pourra pà¢tir que de l'absence d'un titre plus fort que le reste.

Frank Riggio - Visible In Darkness

2007-12-13T17:58:54Z

un savant doseur de sons

La première fois que j'ai entendu parler de Frank Riggio, c'était sur un forum d'Amon Tobin. Le fil de la discussion en était à proposer des artistes faisant de la musique similaire et des noms d'artistes à la popularité grandissante étaient cités.

Il est vrai que, personnellement, je m'étais fait la réflexion de savoir qu'écouter dans le style entre deux releases du sieur Tobin et qu'il n'était pas possible qu'il fusse magicien pour être le seul au monde à maîtriser cette technique de mixage "sample-based". Pour être correct, on sait qu'il n'est pas le seul, l'album Endtroducing(1996) de DJ Shadow est d'ailleurs dans le livre des records pour être le premier album entièrement basé sur des samples, et une playade d'autres artistes usent de cette technique depuis des années mais sa manière de mêler les samples pour former de nouvelles textures est tout à fait singulière et innovante dans ce domaine, et surtout dans un style/genre qui lui est propre. [1] Il n'est donc pas étonnant que cela crée des émules.

C'est, dans ce contexte, que Frank Riggio a abandonné les productions hardtek pour relever le défi de la composition "sample-based" [2]. Défi relevé puisqu'on peut dire que ce premier LP est réussi. C'est même une prouesse tant la qualité du mix et du bricolage de samples est élevée et comparable à ses "encore jeunes" prédécesseurs. Et la comparaison avec un Amon Tobin se fait surtout sur la technique de mixage et sur le travail des rythmes et pas spécifiquement sur l'ambiance. On penserait même qu'il a sniffé une certaine technique à Tobin, comme un Grenouille, personnage de Sà¼skind, qui recouvre la formule d'un parfum complexe, c'est dire la performance...

L'ambiance par contre dépend du choix des samples, et cela dépend plus du feeling du compositeur [la composition étant une question de choix traduisant une partie de la personnalité du compositeur], et à ce niveau Frank Riggio se place à la croisée des chemins de toutes ces influences triphop/cinematic/breakbeat. En réponse de breton, cela donne : moins hiphop et roots qu'un DJ Shadow, plus cinematique qu'un Tobin, moins émotif qu'un Badalamenti et plus spasmatique qu'un Bonobo...

L'album se positionne dans un certain équilibre, avec un certain ton de réserve, beaucoup de titres comme Open 7 Days ou Lithium donne une impression de puissance de par la complexité du rythme, mais c'est en même temps mêlé à une cinématique downtempo qui asagit le morceau, c'est peut-être ça une force tranquille.

Articulation est un morceau un peu à part du reste de l'album, puisqu'il possède une partie vocale qui révèle un style abstract hiphop, une voix magnifiquement cutée qui donne un groove incroyable tout en retenue.

D'autres morceaux comme Hexalight, Minass Morgul ou Dark Adaptation possèdent des parties vocales mais plus "backing" que "lead", dans un style Cinematic Orchestra. En fait en faisant plus attention on remarque que la voix est utilisée dans la plupart des morceaux comme un instrument positionné à égalité avec les orchestrations de cordes et autres mélodies de guitare.

On note également des accents orientaux par moment, principalement sur le morceau Momentum, qui présente d'ailleurs un mélange de mélodies occidentales et orientales, comme une confrontation de deux mondes. Imaginez strauss au japon. Très retenu et dosé, ce morceau aurait été parfait pour la musique du "dernier samurai".

C'est même une qualité générale, on s'imagine facilement dans des films esthétiques, du grand cinéma. C'est peut-être ce qui a inspiré Vincent Papaix pour la réalisation du clip de Cinetic Energy.
En y réfléchissant, ce clip est un bon reflet de l'album, pour la rapidité des évènements autour d'un propos plus posé, pour les champs de blé qui ne sont pas sans rappeler la musique de Badalamenti sur les champs de maà¯s dans "The Straight Story", pour cette certaine mélancolie.

Signalons encore que Frank Riggio a demandé à Laurent Collat de se charger du mastering. Ce dernier, également connu sous le nom d'Elegia, est réputé sur la scène électronique française pour ses divers travaux de mixage et mastering pour des artistes tels que Snooze, Laurent Garnier, Wax Taylor...

En conclusion, cet opus s'adresse aux amoureux de la musique d'ambiance qui par des sons fait resurgir des émotions, des souvenirs, à ceux qui apprécient une certaine complexité sans tomber dans la prise de tête. De ces ambiances aux teintes obscures se dégage une certaine finesse, c'est peut-être pour cela que l'ensemble est Visible In Darkness. On ressent un besoin de perfection, la structure est souvent impeccable sans tomber dans l'enfermement des boucles. Le reproche que l'on pourrait faire à cet album est peut-être le manque de titres émergents, ce qui n'enlève rien à la qualité générale des morceaux.

Frank Riggio est signé sur le jeune label CCTRecords, qui peut se targuer d'avoir d'hors-et-déjà un catalogue intéressant d'artistes ayant une grande maîtrise de la production électronique. En attendant que le système de vente en ligne de CCTRecords soit opérationnel (Edit : maintenant opérationnel), il est possible de précouter et d'acheter Visible In Darkness sur emusic.

http://www.myspace.com/riggiofrank

[1] Aujourd'hui AT a abandonné l'emprunt de samples (Foley Room) pour travailler avec les siens, mais sa technique reste similaire.

[2] Egalement qualifiée par AT de "music from the music"